Anne Pantillon   peintre
 

Presse

Les tableaux d’Anne Pantillon ne sont ni vrai­ment figu­ra­tifs, ni réa­listes, ni abs­traits : il existe trop d’effluves en eux. Ils ne sont pas plus concep­tuels car ils se passent de dis­cours. Ils sont plein d’accidents comme dans la nature mais aussi de caresses. Tout se joue entre le concret et une forme d’idéalité. La réa­li­sa­tion tient dans l’unique trait du pin­ceau ou de la peau. A sa manière, l’artiste devient une pay­sa­giste extrême orientale.

Jean-Paul Gavard-Perret, écrivain et critique d'art contemporain

http://www.lelitteraire.com/?p=33262

 

INTERVIEWS

Vertigo, RTS la 1ère: entretien avec Pierre Philippe Cadert, 14 avril 2016

Lien: ici

10 mars 2014: Vertigo RTS la 1ère: Entretien avec Pierre Philippe Cadert.

Lien de l'émission: ici

9 août 2012 : J’ai rendez-vous avec vous RTS Espace 2 : Entretien avec J-M. Falcombello.

Lien de l'émssion: ici

16 avril 2012 : A première vue RTS la 1ère: Entretien avec Pierre Philippe Cadert.

Lien de l'émission:  ici.

19 octobre 2008 : Intérieurs RTS la 1ère: Entretien avec Daniel Fazan

 

FORM UND FLUIDITÄT – galerie Stöckle Hauser, Stuttgart, 2017

Modern art started with form liquefying itself, like in Monet and, decades before him, with Turner, the true beginner of Impressionism whose steps Monet felt himself forced to follow by going to England and trying to find out what was that Turner saw when he looked through his window or when he stood by the sea. Both Monet and Turner were ahead of their time, their age was not the Age of Liquidity. But this is now. This is the age of the immaterial, of the virtual, of form fleecing away from itself.

The artists and artworks included in this exhibition belong to this sensibility, a sensibility that was initially described as abstractionism. But abstractionism, it is now possible to understand, is a rather precarious and inadequate word, albeit traditional and classic; to use it has become part of a routine in the arts. But routines should be avoided in the arts. These are forms in the process of liquefying themselves and escaping from themselves and from the beholder, which is something quite visible in
Round 10, by Pedro Calapez, in Rómulo Celdrán’s Zoom 43 or in Anne Pantillon´s Lost Tribe , Robert Schad’s Matrak may seem to belong to a different family, at first glance: he apparently proposes hard forms, imposing forms in their steel presence. But look again: they are hard forms also in the process of escaping from their own definition, from the artist’s hands, from the observer’s eyes and understanding… What they tell us is that they are what is left from a process that points to something else, that came from something else… The picture is even clearer in Stefan Kleinhanns Circles.

There are forces that prevent things to have a specific form, just like the sea that is forced to be formless by the winds. This age is pushing things to be formless or, rather, to have forms that are always liquid, fluid, always in the process of becoming. Seen together, these artworks give us the big picture of this present age, its sensibility, a picture that is in each one of them and in us, when we allow ourselves to know better. That’s the strength of art: to let us see what usually tries to escape us. That is comforting and enticing.

Prof.Teixeira Coelho Nieto

Oscillography 2014-2016

The latest work of Anne Pantillon presented here, is the natural continuation of her uninterrupted interest for movement.

After exploring the movement of light in the bottom of riverbeds, the slow flow of matter in motion, from sand, basaltic lava, the waves of movement constitute the subject of her unrelenting examination presented here.

In her series Basaltes[1] (2000-2004), stone and earth are used to represent minerality through collages. In her series Pluies et ruissellements[2] (2003-2007), the slow flow of rivers is represented as a metonymy trough dripping and splattered ink.

For the last 25 years, Anne Pantillon has explored not only the effects and presence of natural elements leaving physical traces, but also social and political events (Identités (1993-95), Srebrenica (1995), Processions (1996-98)) and their repercussions on her work.

It is with no surprise that sound, the center of her current study, comes at this stage. The exploration of the effect that music or noise has on painting and graphic expression, is the latest step in her “recherche patiente”.

Sound is approached here in a complex way. Her body moves like an oscillograph, it transmits the multifaceted sounds going through her drawing and pressing. Being a painter, a musician, and a dancer, Anne uses her body for her exploration. Soon, tools became obstacles to direct contact with sound. The hand, the arm, the foot take over. This technique allows her to bring together the elements that shaped her from her childhood: music, dance and painting.

Vibrant figures and enigmatic forms, all transcending the vibration of matter in movement, slowly deciphering the hidden rhythmical and harmonious structures of music, or sometimes, expressing the intense shuddering of noise.

The results are always unexpected and unforeseen; multi-dimensional, and with a total absence of scale, Anne Pantillon’s work is open to all forms of interpretation.

Marc Bretler, janvier 2017


[1] Basalts

[2] Rain and Runoff

 

SUPPER CLUB, Galerie Kornfeld, Berlin

Mit den Künstlern und Künstlerinnen Stéphane Couturier, Hubertus Hamm, Bertram Hasenauer, Natela Iankoshvili, Franziska Klotz, Tamara Kvesitadze, Christopher Lehmpfuhl, Olivia Mc Gilchrist, Sandeep Mukherjee, Anne Pantillon, Alexander Polzin, Susanne Roewer und Sonny Sanjay Vadgama.

Bei einem „Supper Club“ kommen Menschen, die sich zuvor meist noch nie begegnet sind, in den privaten Räumen ihres Gastgebers zusammen, der sie mit einem selbst zubereiteten kulinarischen Menü bewirtet. Die Idee des Zusammentreffens verschiedener Menschen und Kulturen mit einem gemeinsamen Interesse steht Pate für die Gruppenausstellung „Supper Club“, mit welcher Galerie Kornfeld das Jahr 2017 beginnt. Es wurden Künstler der Galerie sowie spannende Gastkünstler eingeladen, ein oder zwei Werke als Gastgeschenke zu dieser Ausstellung mitzubringen, die eine Vielzahl künstlerischer Formen unter einer thematischen Klammer vereint.

Im Zentrum der Ausstellung steht das Werk „Last Supper“ der georgischen Biennaleteilnehmerin Tamara Kvesitadze, das im hinteren Raum der Galerie Kornfeld seine Deutschlandpremiere erleben wird. Die Tradition des „Letzten Abendmahls“ als ein ganz wesentlicher Themenkreis der christlich geprägten Kunstgeschichte ist ein Fixpunkt bei der Wahl der Themen und Motive, die in Skulpturen, Fotografien, Gemälden, Arbeiten auf Papier und sogar Installationen anklingt. Die Idee des „Supper Club“ ermöglicht den Künstlerinnen und Künstlern eine weiter gefasste Auseinandersetzung mit den im „Letzten Abendmahl“ formulierten Themenkreisen des Gastmahls, des Glaubens und der Passion.

https://www.artatberlin.com/supper-club-galerie-kornfeld-kunst-in-berlin-art-at-berlin/

https://www.artsy.net/show/galerie-kornfeld-supper-club

https://www.artrabbit.com/events/supper-club-galerie-kornfeld

https://estherartnewsletter.wordpress.com/2017/01/06/supperclub/

 

Anne Pantillon : peindre avec la peau

Interview de l’artiste, 11 août 2017

Jean-Paul Gavard-Perret, écrivain et critique d'art contemporain

http://www.lelitteraire.com/?p=33262

Les tableaux d’Anne Pantillon ne sont ni vrai­ment figu­ra­tifs, ni réa­listes, ni abs­traits : il existe trop d’effluves en eux. Ils ne sont pas plus concep­tuels car ils se passent de dis­cours. Ils sont plein d’accidents comme dans la nature mais aussi de caresses. Tout se joue entre le concret et une forme d’idéalité. La réa­li­sa­tion tient dans l’unique trait du pin­ceau ou de la peau. A sa manière, l’artiste devient une pay­sa­giste extrême orientale.

Entretien :

Qu’est-ce qui vous fait lever le matin ?

La lumière, ou l’attente de la lumière. 

Que sont devenus vos rêves d’enfant ?

Je rêvais de devenir violoniste. La sensation de liberté et d’intimité que j’ai ressentie en peinture a été déterminante dans mon choix. 

À quoi avez-vous renoncé ?

À l’exaltation que procure la scène musicale.

D’où venez-vous ?

D’une région rugueuse brassée par les éléments, La Chaux-Fonds, haute cité du Jura.

Qu'avez-vous reçu en dot ?

L’amour des sons, des goûts, des couleurs, des formes. Il y avait déjà une grand-maman qui aimait les arts, pratiquait la musique et la peinture. Le reste de la famille maniait avec dextérité microscope, métronome et diapason, cultures maraîchères et fourneaux.

Un petit plaisir - quotidien ou non ? 

Peindre avec ma peau sur papiers, sans passer par le pinceau.

Qu’est-ce qui vous distingue des autres artistes ?

Je l’ignore. J’aime ce qui est secret, caché sous les couches successives que le temps a déposées. La peinture est mon révélateur. Un travail souterrain entre inconscient et conscience. L’engagement du corps est essentiel à cette recherche.

Comment définiriez-vous votre approche du "paysage" ?

Depuis l'enfance, les paysages commencent par des rêves visionnés sur un plafond.

Quelle est la première image qui vous interpella ?

Toute petite, regarder par la fenêtre les premiers flocons de neige. La promesse de sorties avant l’aube avec la neige à mi-cuisses pour aller à l’école.

Et votre première lecture ?

Celle qui m'a marquée à 17 ans, The snow of Kilimanjaro d’Oscar Wilde. J’ai perdu ma grand-maman cette année-là, la mort est devenue réalité. 

Quelles musiques écoutez-vous ?

Dans mon travail, J-S.Bach et Brad Mehldau que j’aime percevoir comme des contemporains, Led Zeppelin, Simin Tander ou Henri Torgue & Serge Houppin sont quelques autres registres. 

Quel est le livre que vous aimez relire ?

Il y a eu Soie, d’Alessandro Barrico. 

Quel film vous fait pleurer ?

Je pleure facilement devant un film. La liste est longue. 

Quand vous vous regardez dans un miroir qui voyez-vous ?

Ce visage des traces du temps et de la vie qui se prolongent dans mon travail.

À qui n'avez-vous jamais osé écrire ?

À quelques collectionneurs et galeristes. 

Quel(le) ville ou lieu a pour vous valeur de mythe ?

Pendant ma formation artistique, un trek au Zanskar a été fondateur de ma perception des espaces.

Quels sont les artistes et écrivains dont vous vous sentez le plus proche ?

J’aime la présence sans concession de Pierre Soulages, 

les collages poétiques d’Italo Valenti, 

l'intimité des matières dansantes de Mark Tobey,

le geste noir de Christian Dotremont,  

la vibration pure de Mark Rothko,

la délicatesse et la rigueur de Julius Bissier.

J’aime les phrases courtes, ciselées, incisives ou tendres d’Agotha Kristof, Herbjørg Wassmo, Audur Ava Ólafsdóttir, Yvette Z’Graggen, Pascal Mercier, qui explorent la pâte humaine.

Qu’aimeriez-vous recevoir pour votre anniversaire ?

Une très grande table chauffante de marouflage sous-vide.

Que défendez-vous ?

Ma liberté intérieure.

Que vous inspire la phrase de Lacan : "L'Amour c'est donner quelque chose qu'on n'a pas à quelqu'un qui n'en veut pas » ?

Peindre, c’est se rendre fragile, désirer. C’est un don, comme en Amour.

Que pensez-vous de celle de W. Allen : "La réponse est oui mais quelle était la question ? » 

Elle m’évoque l’optimisme indécrottable qu’il faut avoir dans une vie de peintre.

Quelle question ai-je oublié de vous poser ? 

L’adresse de mon atelier est facile à trouver !

 

 

Anne Pantilon ne cesse d’ouvrir la caverne platonicienne afin d’y faire entrer le jour. La toile devient un drap mais sur lequel une avalanche de couleurs se répand par fragments, grappes, coulures, ravinements, effets de plans et de reliefs. La densité se fait de plus en plus profonde mais non sans fluidité. Le moindre escarpement n'est plus ombre. Se découvre une lumière qui revient progressivement. Tous les trajets de l’artiste sont là pour faire  qu’elle remplisse par strates l’espace. S’inventent peu à peu des noces d'aube : la peinture reste en son lieu (la toile) mais l’artiste y introduit l'impénétrable sourire du monde.

 

Il est fait de falaises aux « bruissements » soyeux d’où émane un émoi particulier.  Anne Pantillon reste fidèle à un art de rupture (donc rupestre) qui ne renonce jamais à investir un étrange cours de l’art afin de le déranger et montrer encore et toujours de l’invisible.  Cette peinture chargée de précipités épouse le mouvement. Le monde y résiste à l’effacement et il échappe au temps.  Sur la peau "lavée" des œuvres apparaissent les pentes de cratère, des coulures  par paliers. Chaque œuvre cerne un suspens,  ébauche quelque chose qui attend qui arrive comme si

par la peinture surgissaient des idées de "derrière la tête".

 

Article de Jean-Paul Gavard-Perret, écrivain et critique d'art contemporain, mars 2015

 

Le caractère rauque, rocailleux, minéral, mais aussi fluide et presque sonore proposé par les oeuvres d’Anne Pantillon, nous plonge immédiatement au cœur d’un paradoxe, où les contraires s’entrechoquent et se côtoient avec force et sensibilité. La lave noire, brûlante, bouillonnante, comme surgie des profondeurs de la terre, semble se confondre, se mêler à l’énergie de l’eau tumultueuse, glacée des torrents, qui dévale des reliefs. (...)
En randonnée dans les Alpes, l’artiste, happée par la force titanesque des eaux, se laisse bousculer par les trombes volubiles des torrents qui, au plus fort de leur chevauchée charrient caillasses, boue, végétaux, sols ramollis par la fonte des glaciers. Ces signes évidents de la mue dont l’environnement naturel est l’instrument sont au cœur des préoccupations de l’artiste.

Métaphore du Temps, de l’impermanence, de la dissolution des choses ?
(...)
Tant l’eau des torrents que celle mouillant les rivages se déverse sur la feuille de papier utilisée par Anne Pantillon comme support, une eau véhiculant les composantes de l’œuvre, encre de Chine, pigments de terre, parfois graphite, le tout marouflé sur bois. Un travail inédit, oscillant entre le noir et le blanc, l’opacité et la lumière, le mouvement et le temps, ponctué d’espaces aux couleurs de terre, une véritable aventure artistique totalement originale à découvrir.

Dr Danielle Junod-Sugnaux, historienne de l'art, mars 2014

 

Dans la nature, le jeu des formes et des lignes est une source d’inspiration toujours renouvelée et à redécouvrir constamment. On peut, par exemple, être sensible au jeu de l’eau et observer le gravier, reposant sur le lit d’une rivière, qui se dissimule ou qui se montre au gré des flots. La rivière joue à cache-cache. Chaque mouvement de l’eau dévoile furtivement la présence d’un galet et nous devinons la douceur de sa rondeur. Le gravier apparaît pour disparaître momentanément ; la présence matérielle du gravier, l’expression de la forme plastique, est la thématique principale de la série des « lits de rivière » d’Anne Pantillon, et également dans les œuvres présentées dans cette exposition.

Il y a quelques années de cela, en 2000, Anne découvre sur les bords de la rivière Ardèche, ce que les habitants de la région appellent poétiquement les « orgues basaltiques ». Ce sont des coulées de lave qui ont refroidis lentement et qui ont donné naissance à des piliers de prismes hexagonaux de différentes grandeurs. La rivière Ardèche les a mis au jour, le temps et le travail de la rivière les ont paré des couleurs pastel et terre. Si, au début de son travail, Anne Pantillon s’est inspirée de la forme de ces orgues pour construire ses collages, la forme s’est par la suite émancipée pour devenir un mode de représentation autonome. Le lien avec le sujet a disparu, la forme est restée, transcrite de manière épurée, travaillée en carré ou en rectangle. La forme vit maintenant dans sa relation avec ses voisines. Dans ses collages, Anne Pantillon crée des atmosphères en étudiant les rapports qu’entretiennent les formes les unes par rapport aux autres. Elle imprime une tension et un rythme à la structure, jouant sur la répétition.

La forme devient écriture et leurs juxtapositions révèlent des phrases tantôt musicales, tantôt scripturales. Le collage des formes horizontales exprime l’idée de calme. Il représente des pierres marquées par le niveau de l’eau, une pause impromptue… Les figures verticales s’inscrivent dans une dynamique plus interactive. Elles deviennent des « quarte », des « pas de deux », des « cadence », des « sarabandes »….

La surface, travaillée à l’aquarelle et à l’encre de chine, amène de discrètes nuances émotionnelles. Une touche de couleur, rose comme le basalte par exemple, évoque un sentiment. Libre au spectateur de traduire ce message selon son humeur et sa sensibilité du moment.

Les œuvres exposées en ce lieu vous amènent au loin, en vous, afin de retrouver une tranquillité et l’harmonie du monde comme le promeneur solitaire face à la nature.

Texte de Sylvia Rohner, historienne de l’art, 2008


Ses œuvres racontent le temps qui passe et le temps qu’il fait. Le rythme du temps qui passe, c’est le rythme de la pluie, du ruissellement de l’eau. C’est un rythme régulier, mais tendu qui interpelle par le calme qui s’en dégage. La pluie devient trace. Les « ruissellements » faits à l’encre diluée à l’eau et à l’aquarelle coulent doucement sur la feuille de papier pour venir s’écraser en gouttes sur un deuxième panneau. Le rythme se retrouve aussi dans la répétition des mouvements et dans la séparation des panneaux en séquence qui scandent les compositions telle une musique. Issue d’une illustre famille de musiciens chaux-de-fonniers, Anne Pantillon possède aussi un certificat de violon du Conservatoire de sa ville natale. Puis elle s’est décidée pour le monde des Beaux-Arts. La musique est présente dans sa vie, comme la nature au travers du « temps qu’il fait » qui dévoile dans ses œuvres ses différentes couleurs : il devient grisaille, sombre ou bleuté – c’est selon - comme nos humeurs qui changent au gré du vent et de l’heure, de la journée ou du mois. 

Texte de Sylvia Rohner, historienne de l'art, 2008


Feuille-caillou–ciseau.

Lequel a précédé l’autre dans le travail d’Anne Pantillon ? de quel jeu s’agit-il ici ? Celui des enfants qui secouent leurs mains en disant « Feuille-caillou–ciseau ! » 

La feuille enveloppe la pierre, le ciseau coupe la feuille, la pierre casse le ciseau, etc.

Il y a de cette dialectique dans ces collages, puisqu’ils trouvent leur genèse dans la pierre : les basaltes qui bordent les rivières de l’Ardèche. La pierre devient feuille, se recouvre d’encre profonde et transparente comme la rivière. La feuille aurait pu suivre le tracé du ciseau ; Anne Pantillon lui préfère la déchirure qui la partage, la multiplie.

Lentement, patiemment, les formes s’assemblent, se superposent, se construisent en un nouveau jeu : celui des tonalités et des rythmes. Jeu divinatoire aussi où, ironie de sort, toute trace de figures a disparu. Le spectateur se trouve alors libre de faire sa propre prédiction.

Texte de Nicolas Pahlisch avril 2005

 

Ces Basaltes qui arrêtent le temps

Article Pierre Hugli, Pharts novembre 2004 lors de l’exposition-publication une amitié à Ropraz

Permettez-moi une question de principe : avez-vous, un jour, reçu un prix, une médaille?

J'ose à peine le dire : à l'École cantonale d'art de Lausanne, j'ai reçu le prix de l'étudiant le plus méritant!

Elle est née à La Chaux-de-Fonds, dans cette famille Pantillon qui contient nombre de musiciens - et elle a longtemps hésité entre la musique et les arts plastiques, étudiant le violon au Conservatoire de Neuchâtel et la peinture à l'Académie de Meuron. Conservant un grand amour de la musique, elle est venue à Lausanne se perfectionner à l'ECAL de Monnier, où elle étudie la photo, la peinture, la gravure. Elle a gardé de son enfance l'a­mour de la nature, ses promenades avec son père, biologiste, au bord des étangs où elle attrapait des grenouilles.

Ses deux sources d'inspiration sont donc la nature et la musique. Elle connaît différentes phases dans son travail d'artiste, et a exposé relativement peu, parce que jadis le regard des autres la déstabilisait. Anne a traversé plusieurs crises existentielles. Elle a fait par exemple un travail social assez dur auprès de jeunes, de chômeurs, d'handicapés - et elle en rend compte dans une peinture violente. Ensuite naît sa passion pour l'aquarelle - ce n'est pas la jolie aquarelle classique, car elle la traite comme l'huile, par couches, et puis son sujet de prédilection, c'est les bouteilles - vous pensez si j'aime, ne serait-ce que parce qu'ici, mine de rien, ces bouteilles colorées, ordonnées selon des rythmes subtils, paraissent remplies - plus attirantes, en cela, que les cadavres de Morandi !

Mais le tournant décisif, dans la vie d'Anne Pantillon, c'est un voyage en Ardèche où elle découvre les coulées basaltiques du Pic des Joncs. Les coulées de lave figées semblent vous tomber dessus, elles ont été découvertes par l'eau en formant des parallélépipèdes verticaux rectangulaires qui s'étendent sur des centaines de mètres, selon des rythmes ter­rifiants, avec les miroitements de l'eau et de la lumière.

Anne a alors un éblouissement : elle se voit elle-même ordonner ce monde géologique, avec des papiers déchirés et colorés à l'encre de Chine. De retour à son atelier, forte de cette vision, elle s'essaye à assembler des bandes de papier dont elle constitue patiemment une ordonnance possible. Cela devient ses Basaltes. Elle tente d'innombrables assemblages pour coller ceux qui lui semblent réussis, et qu'elle expose à Ropraz, en automne 2002 (sous le nom d'Anne Bringolf).

Cela ne paraît rien, un collage de quatre, cinq, six éléments - mais le processus est très lent pour en arriver là. Elle en a fait trente, quarante, cinquante, chaque fois elle met en place un élément, un autre, un autre, elle bouge celui-ci de quelques millimètres, cela pèche encore, il faut détruire... C'est une sorte de puzzle, très complexe. Cela dure des jours, des mois parfois pour que cela fonctionne, et d'autre fois cela se met en place très vite. Ce qui reste, c'est une décantation, le concentré du concentré. Les premiers jouaient austèrement sur les nuances du noir et du gris, et puis peu à peu la couleur est venue, où l'on trouve quelque chose des ambiances enchanteresses des groupes de bouteilles.

Anne Pantillon colorie à l'encre de Chine et à l’aquarelle : deux techniques utilisant l'eau. Elle ne s'en rend compte qu'après coup, les Basaltes ne seraient pas visibles si l'eau de la riviè­re Ardèche ne les avait découverts. Elle aime utiliser des beaux papiers aux différentes tex­tures. La sensualité du matériau fait partie du jeu.

Elle a aussi toute une réflexion sur l'illustration. Après des gravures d'après L'Inoffensif de René Char, en 1988, elle a illustré d'aquarelles un texte d'Anne Lise Grobéty. Pour Bernard Reymond, elle a mis trois mois à faire quatre collages. Le collage convient à l'illustration, parce que c'est un long travail d'imprégnation. Pour s'approprier le texte, il faut lire et reli­re, en dégager des phrases clés qu'elle se récite comme des mantras, jusqu'à ce qu'émer­gent des images : images abstraites, histoires de masses, de couleurs, de contrastes, d’am­biance. Ce qui complique la tâche, ici, c'est le nombre, quatre, qui ne correspond pas for­cément à toutes les images, et puis surtout le format, qui devait être le même pour les qua­tre œuvres. Or, contrairement à une peinture, un collage n'a pas de format préalablement défini, on ne peut l'enfermer dans un système bidimensionnel, c'est à son achèvement seu­lement qu'on peut le mesurer.

-     Quand un collage te semble-t-il terminé ?

-     Il arrive un moment où je dis : c'est fini, je colle ! C'est une décision assez grave, parce que tout d'un coup cela va devenir quelque chose de rigide. C'est comme si j'arrêtais le temps, un peu comme l'instantané d'une photo, un instant volé.

-     C'est le sacrifice, la mise à mort. Ton activité, en somme, cela a quelque chose à voir avec la corrida !

 

2002 :

 «Basaltes» d'Anne Bringolf-Pantillon — Aux sources de l'émotion

Article de Pierre Hugli, Phart, février 2002, lors de l’exposition à la Fondation l’Estrée à Ropraz

Lorsqu’on pénètre dans ce grand atelier lausannois, on est frappé par un monde plastique pur et dur, sans conces­sion - et puis par la musique, le fameux quatuor La Mort et lu Jeune fille de Schubert, qui lui aussi constitue un monde oni­rique exigeant - j’imagine la stu­peur de ses premiers exécutants, de ses premiers auditeurs, comme je me trouve stupéfait devant les derniers travaux d’Anne Bringolf, jamais exposés à ce jour. Un moment de contemplation (et on peut bien comprendre que cela ne soit pas donné à tout le monde), et je me mets à goûter une sensi­bilité qui ne s’affiche pas, ainsi que l’extrême fragilité de ccs assemblages de papiers - un fris­son passe, le léger souffle de l’œu­vre d’art. Même si, après réflexion, certains rapproche­ments sont permis, on se sent, ici, à l’origine des choses, des formes, des idées.

Anne Bringolf est une jeune artiste d’origine neuchâteloise, née à La Chaux-de-Fonds; elle conserve en elle le caractère des montagnes jurassiennes, la sim­plicité, la franchise des sensa­tions. Tout enfant elle a éprouvé l’amour de la nature, dans ses pro­menades avec un père biologiste qui lui fit découvrir des étangs où elle attrapait des grenouilles! Mais sa parenté contient aussi nombre de musiciens - l’illustre famille des Pantillon. Ainsi, enfant et ado­lescente, elle nourrit une égale passion pour le dessin et la musique. Elle fait nombre d’aqua­relles de visages, d’animaux, et en même temps pousse assez loin ses études de violon, qui l’amènent ;i Neuchâtel, au Conservatoire, où elle va aussi fréquenter l’Aca­démie de Meuron. Elle apprend les bases de la peinture classique, en particulier avec la regrettée Carmen Lanz: celle-ci cultivait la précision du détail, dans la ligne des peintres flamands : «Regarde cette nuance verdâtre, sur ce visa­ge, à côté du rouge!», et Anne, au début, ne voyait rien. Elle a donc acquis la subtilité du regard, ce qu’on retrouve, aujourd’hui, dans le raffinement de ses coloris.

Elle se souvient avec émotion de cette période ù l’Académie de Meuron, où tous les élèves s'empi­laient dans une salle, autour de rares chevalets... C’est alors qu’el­le se décide vraiment à choisir les arts plastiques, de préférence à la musique qui restera toujours, néanmoins, une des sources de son élan vital et créateur. Après Neuchâtel, elle va suivre les cours de l’Ecole d’art de Lausanne, où l’atmosphère change, mais où, sous la direction de Jacques Mouiller, elle peut suivre, entre autres, l’enseignement de Jean- François Reymond, pour la pein­ture, et puis celui de Prébandier, qui lui fait notamment illustrer un poème de René Char. Pour son année finale, elle s’inspire d’un voyage au Zanskar himalayen d’où elle ramène des aquarelles et des photos.

Tout au long de son travail plastique, elle va conserver deux sources d’inspiration : la nature et la musique. Elle expose peu ses œuvres, au demeurant - ses der­nières expositions remontent à plusieurs années, à Fribourg, et à la Galerie Vallotton, au Flon à Lausanne : ce qu’elle explique par ses doutes, par une pudeur lui fai­sant considérer ses travaux comme partie intime de sa per­sonne, et puis par l'horreur de la critique. Non qu’elle ait essuyé des propos négatifs, au contraire... mais l’idée même d’un regard cri­tique la déstabilise. Enfin, ce qu’elle défend avant tout dans son activité, c’est la liberté de faire ce qu’elle veut, de peur de s’enfer­mer dans le piège d’une manière qui plaît...

Il est vrai qu’Anne Bringolf a connu un cheminement difficile avant de parvenir à son équilibre actuel. Elle a commencé par s’en­gager, au début des années 90, dans un centre socio-culturel lau­sannois, accueillant des handica­pés, des jeunes, des exclus, des chômeurs. Révoltée contre l’hy­pocrisie d’une société qui, entre autres, fait de toute guerre un spectacle qu’on s’empresse d’ar­chiver. Elle voit en Guernica de Picasso l’immuable témoignage du crime : ainsi la peinture passe à travers les âges - voilà donc bien la mission de l’artiste... mais com­ment, soi-même, y parvenir ? Elle dessine et peint pour sa commu­nauté, des choses violentes, en majorité figuratives, reflets d’une période sombre, tourmentée d’où l’humour, néanmoins, n’est pas totalement exclu. Et puis, suite à un accident où elle en « prend plein la gueule », Anne Bringolf est amenée à une prise de conscience qui la mène à davantage se cent­rer sur son être, sa famille et son travail pictural.

Aujourd’hui son activité, à l’atelier, se répartit en deux volets distincts. D’une part, il y a des aquarelles où, inlassablement, elle peint des bouteilles : l'ordonnance obéit à des cadences subtiles dont on doit bien reconnaître, à leur présence comme à leur diversité, qu’elles ont quelque chose à faire avec la musique, humainement rythmée. Anne Bringolf utilise un peu l’aquarelle comme l’huile, elle applique de nombreuses couches, fait apparaître et disparaître les formes et les couleurs, selon des dispositions qui doivent réaliser un équilibre naturel, spontané.

Et puis voici les Basaltes.

« Au départ, un choc. Aux sources de l’Ardèche, près de Burzet, dit-elle, j’ai découvert des coulées basaltiques, de nature vol­canique. Une cascade est célèbre, dans le Pic des Joncs : en descen­dant une colline, vous vous trou­vez face à des coulées de lave qui semblent vous tomber dessus en prenant des formes de parallélépi­pèdes rectangles. Les plans se trouvent les uns derrière les aut­res. Le bord de la rivière est aussi constitué d’une bande de cette lave, sur plusieurs centaines mèt­res - on dirait un grand moulage, en haut-relief. Ce sont des verti­cales rectangulaires qui se succè­dent selon un rythme stupéfiant. »

« La lumière et l’eau mettent en valeur cette matière extraordinaire, mate et pleine de reflets à la fois, massive, dense, avec des côtés satinés, brillants et en même temps une grande profon­deur ; c’est extrêmement compact, mais cela reste léger en raison des rythmes. Là j’ai eu une espèce de flash. Je me voyais assembler des papiers déchirés, colorés à l’encre de Chine ! Je sais qu’il est préten­tieux de vouloir copier la nature- mais lorsque je suis revenue, je me suis précipitée à l’atelier, et j’ai commencé à réaliser ce que j’a­vais en tête, frustrée, certes, parce que je n’avais pu photographier ou dessiner, car l’endroit est diffi­cilement accessible... Mais j’ai gardé cela en mémoire, et j’ai pu, littéralement, décoller, intégrer l’image, y projeter mon émotion, et peu à peu ces Basaltes sont devenus une partie de moi-même, l’inspiration de la musique prenant le relais de la mémoire visuelle ».

Ce sont des papiers peints, à l’encre, parfois aquarellés, selon de multiples couches, de formes rectangulaires, mais selon des tra­jets un peu courbés, imprévisi­bles ; Anne Bringolf les assemble selon de subtiles combinaisons, avant de les coller - opération délicate entre toutes. Elle a une énorme réserve de ces papiers découpés, elle en refait constam­ment. Parfois un assemblage peut prendre quelques minutes, d'au­tres plusieurs semaines. Gela ne ressemble à rien, on l’a bien compris : leur intérêt n'est pas dans la transposition de ces incroyables coulées basaltiques (qu’on trouve aussi, soit dit en passant, au bord du Zambèze), mais dans un subtil jeu de formes opérant magique­ment sur le regard, sur l’être.

Même si souvent ici la cou­leur se résume, le plus souvent, à d’infimes variations de noirs ou de gris, la relation avec les douces aquarelles est manifeste, sur un mode évidemment plus sauvage !

 

Les Basaltes d’Anne Bringolf-Pantillon

Article de Pierre Hugli, Phart, octobre 2002

Je pleure quand le soleil se couche parce qu'il te dérobe à ma vue et parce que je ne sais pas m'accorder avec ses rivaux nocturnes.

Bien qu'il soit au bas et maintenant sans fièvre, impossible d'aller contre son déclin, de suspendre son effeuillaison, d’arracher quelque envie encore à sa lueur moribonde.

Son départ te fond dans son obscurité

Comme le limon du lit se délaye dans l'eau du torrent

Par-delà l’éboulis des berges détruites.

Dureté et mollesse au ressort différent ont alors des effets semblables

 

René Char

A l’époque où Anne Bringolf-Pantillon illustrait ce poème, on ne pouvait guère prévoir le choc qu’elle ressentirait en se pro­menant aux sources de l'Ardèche, rivière qui creuse ses berges en découvrant des roches basaltiques dont les coulées d’origine volca­nique, colorées et sculptées manifeste des rythmes inspirant désormais sa peinture.

Après une absence de six ans de la scène artistique, l’artiste d'origine neuchâteloise va occuper les murs de l’Estrée avec ses surpre­nants collages de papiers peints (à l’encre, par­fois aquarelles) découpés et assemblés de manière subtile, selon une logique et un che­minement ii la fois imprévisibles et implaca­bles. Les couleurs, dans les gris noirs, sont aus­tères, presque provocatrices, (les sortes de bas-reliefs captent l'attention, dans leur conci­se économie, en sollicitant du regard tout ce qu’il pourrait découvrir de subtil dans les nuances entre les gris, les noirs, et les reflets, verdâtres ou brunâtres, que cèlent les nom­breuses couches revêtant les papiers peints.

Jusqu'au dernier printemps. Anne Bringolf se « reposait » du travail de ses collages en pei­gnant à l'aquarelle sur papier artisanal, des natures mortes, soigneusement rythmées elles aussi  - il faut signaler à ce propos que, fai­sant partie de la famille neuchâteloise des Pantillon, elle est marquée par la musique, et quelle pratique le violon.

Après être retournée en Ardèche, sa réflexion basaltique se retrouve dans de super­bes aquarelles traitées à la manière de l'huile, où I on découvre des rythmes analogues de for­mes colorées par couches successives dont on goûte les dégradés et les transparences. Ce sont toujours des tons austères, mais il y a des sortes de « sfumato », donc plus de sensualité : ce jeu de miroirs et de rythmes définit des variations d'une énergie dont on ne finit pas d'épuiser le sens.